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似 乎还是云淡风清一点

发布时间:2018-11-06     浏览次数:

  30多年前,李小山在《江苏画刊》发文“当代中国画之我见”,开篇即提出“中国画穷途末路”,一时间在画界引起轩然大波。李小山的观点未免太悲观,而30多年过去,当今的山水画发展也未见乐观。

  为此,日前北京画院在其2018工作年会的论坛上,抛出了“中国山水画走向何方”的议题,请专家、学者们来开药方。

  如郭宝君老师所说,周思聪先生在其创作的最后几年里,什么都放下了,放下了名,放下了利,甚至放下了生命。所以他的画面里很干净,就像十几岁少年心中自然流露出来的纯净,不带杂念。郭老师认为,画就是要表达自己的冲动,那样创作的心也会慢慢纯净一点。

  徐钢老师也表明了他作为教师的担忧:在信息爆炸的时代,高校山水画专业学子们的视野却很窄,他们沉溺于对传统的单纯“临古”,而缺失应有的激情与对当下的关注。

  对此,我们不禁要问:中国山水画创作究竟该走向何方?这是一个很大的课题,并非三言两语能说清道明的。但是适时地抛出问题与反思,则有助于推动其更好地向前发展。本期美术报节选部分画家的思考,以飨读者,亦欢迎读者朋友来稿,展开进一步探讨。——编者(美术报)

  中国山水画走向何方,这个题目在上个世纪中叶的时候,也曾经摆在很多画家面前,就是60年代的改造中国画。李可染先生等一批画家奔着“中国画能不能为当时的新中国服务”这么一个不可回避的现实做出回答。今天我们讨论这个问题的时候,似乎还是云淡风清一点,因为它更倾向于画家个人的不同体验和体悟。

  既然叫山水画,还没有叫风景画,这个标准已然就有了,它应该是具有中国精神、中国哲学观的一个绘画门类。我所理解的中国式山水画,到最后一定是走向干净、纯净。

  我有一个很好的感受,20、30岁时开始临摹,而后读大学、工作。前几天回老家,看到小时候的画,好多都烂了,我就拾掇了一下。那天晚上拿回来一看,真的是有点感动,我觉得画面很“干净”,一个12岁的小男孩画的画,技法和用笔完全谈不上,但年轻时自然流露出来的“干净”,毫无杂念,打动了我自己。郭宝君老师说周思聪放下生命,放下一切创作出来的东西的那种“干净”,可能就像我手里很稚嫩那种画的感觉。

  我再回头来看现在的创作,突然觉得有点“脏”,很想回到那个“干净”的时候,但又很难回去,所以我很能体会最终在中国传统绘画里笔墨走向纯净的状态,这也是我个人的追求。不管是来自于自己的体验,还是来自于传统绘画,像董其昌这类画家所透露出来的“纯净”,留给我们的是山水画在精神层面上某种标杆式的意义。

  中国山水画走向何方?一定是走向中国画想表达的个人的内心,或者表现河山的雄伟、秀美。

  作为山水画教师,我注意到中国山水画在当前教学中面临的一些情况。我的学生中已经有00后了,在教学过程中,很明显感受到在他们的心里已经没有上个世纪后半叶对传统的批判,或者是一种传统和当下的二元对立的心态。他们对于传统的学习,比以前更单纯。

  在今天的信息爆炸时代,我恰恰发现学生们的信息很贫乏:一、他们对传统理解很单纯;二、对于艺术的信息很贫乏,视野很窄,居然只落在传统上,我觉得现在已经走向了一个反面。在我们的本科、硕士毕业创作中,大多数作品只停留在对传统的某一个技法上的模拟式的创作,学生应有的那种创作激情,或者说对当下的关注,几乎没有了,我觉得这种对传统的关照又回来得太多了。

  不管作为一个画家,还是作为一个教师,中国山水画走向何方这个命题,可能一时说不清楚,但是在个人创作和教学中,是最需要不断去实践的。

  中国山水画从心灵出发,最后又回归心灵,就像诗歌一样,诗不会消失,山水画也不会消失,诗歌是人类精神的产物,山水画同样也是。

  顺其自然应该是山水画的本质,顺其自然比顺其时代还重要,时代总是短暂的,而自然是永恒的。宋画之所以感人,就是画出了永恒,不管是高山仰止的雄浑之美,还是潇湘苍凉之美,都有一种精神在里面,这种精神正好映合了大自然的永恒。

  西方美学观讲带有悲剧意识的崇高美,背后有一种无尽的东西,略带苍凉,令人心灵一动。它不是小品和戏剧带动的,而是永恒的。人在永恒面前是有限的,而永恒是无限的。无东无西,无古无今,又有古今东西,就在一个字上下工夫,即“画”,在画上动脑筋,打通这一点,这个时代的人就走出了一个“结”。山水即是我,我即是山水,认识到这一点容易,做到这一点则非常难。

  山水画是一个生命体,它需要阳光雨露,需要养分,需要去吸纳、融合;同样它有新陈代谢,所以,山水画是不断地在向前推进的。生命体亦是一个运动状态体,它有自己的基因,就像我们喝牛奶和吃面包,只会增强我们的体质,但不会让我们变成白种人,因为我们有我们的基因。

  山水画追求清净、自然和无尘的境界。这个自然不是自然界的自然,而是自然而然,我们在这种状态下,能够去掉附在心灵上的尘垢,能够洞察到我们内心真正的向往。

  中国人理解宇宙,是一个永无休止的生命体,同样人也是这个生命体内的一个部分,也在同样的节奏中运行,这是山水画最根本的精神。因为山水画精神跟山水画是一个完整的体系,相对是永恒的。

  再谈一下我对当下生活和自身创作的感受。按理说,画家是做传统艺术的,对高科技的东西比较抵触,但我的想法恰恰相反,我认为高科技反而让我们对传统的境界有了更深一步的了解。以前我比较抵触画都市,觉得很喧嚣,但随着自己坐飞机次数的增多,我感觉到人从一个喧嚣的环境,瞬间到达另一个很安全、很宁静的世界里面,你在起飞的一刹那,马上就跟这个喧嚣的世界脱离开。人在纠结的时候,亦要懂得让自己的身心从纠结的环境中跳出来,这跟禅修有一定的相似性。

  因为有了高科技生活,我们对传统的一些理念,有了新的感受。在太空上看地球,跟在地球上看地球,是两回事。在现代生活里面,景观角度、时空概念改变了,高速公路把整个世界拉平到一个平面,看山水的感觉不再是古人那种渐进式的过程,而是一个片段式的,这种片段式可能对画面会有影响。从北半球坐飞机到南半球也就10个小时,夏天马上转入冬天,显然,这是一种片段式和跳跃式的图像的呈现。

  现在展览中山水画的呈现模式,也跟传统不同。传统山水画在一个私密空间里面,是小众式的欣赏范围;现在将作品放进美术馆,它更关注的是画与美术馆的关系。而在新的传媒媒介里面,它可能还需要画面与社会的一种互动。从一种小众的把玩的意识形态,到大众的呈现空间,我认为这是对山水画一个很大的挑战,也是我们当下面临的问题。

  山水画走向何方,看到这个题目时我在想,古人也开这样的研讨会,讨论山水画走向何方吗?可能也开,只是形式不一样。

  看中国画的发展,每个时代有每个时代的特点,这个特点不是人为规划,而是自然而然形成的。从楚辞发展到汉赋,又到了唐诗、宋词和元曲,这几步是怎么变化过来的?其实不是里面的本质变了,而是一种形式的转换。中国画也一样,等它发展到一定的程度,当生命力和内在的冲动和鲜活感没有的时候,肯定会出现一种新的变化,如果不变,只能是死亡。

  李可染先生最早是学西画的,从他的画面上能看到受西洋的影响,而后呈现的画面是一张大中华的脸,他借助西洋的东西,融入到中华精神文明里面去,他是高手。其实外来的东西对你的精神和思想的影响也较大,就看你怎么吸收,怎么把它巧妙融合起来。

  在创作当中,我也有自己的体会,这个体会已经过了20年了。有一次我想画陕北北部的黄土高原,去的时候正好碰上一场雪,黄土高原上茫茫大雪纷飞,我们看不到天,看不到地,基本上天地一色,当时我脑子里想象的,正是我想要的东西,那时我想起了老子的话,叫“恍兮惚兮”,摸不着,只能感受。在“恍兮惚兮”当中体验一种精神,如果能将这个永恒的东西注入到画面,把你的体会放进去,那么画面就有了走向永恒的条件。

  从黄土高原回来以后,我的脑子里是空的,参考当时的速写,我画了5张作品。过了20年,再看那幅画,虽然那时笔法不太成熟显得幼稚,但当时那个感受还在画里面。因为我画的时候很纯粹,没有想参加展览,没有想获奖,也没有想卖钱,只是一时的冲动和感受而已。我认为画就是要表达自己的冲动,那样创作的心也会慢慢纯净一点。

  周思聪先生在创作的最后那几年,他什么都放下了,放下了名,放下了利,甚至连自己的生命都放下了。他的画里面那么干净、那么纯净,只有自己的灵魂在画面上游走。而且中国画发展到最终,最高级的是精神,没有这个东西,无论如何发展也没法往下走。还有德国的基弗先生,40年在画一个玻璃杯子,一天不同时间画一张,画了5000多张画,不同的时间,不同的时期,不同的记忆,不同的光线多张做出的展览特别震撼,不是画画得有多好,而是它这种理念对事物的把握和持久性,让人看了后很震撼。

  应当说,艺术往前走,内置的线脉是永远贯通的,本质不会变,变的只是形式而已。(本版文字根据论坛速记稿整理,未经作者本人审阅)

  经济的发展使艺术与市场结合越来越紧密,画廊作为艺术市场中的一级市场,更是深受经济环境的影响。在经济危机爆发后的十年间,画廊业可谓经历了大浪淘沙。新兴小画廊如何站稳脚跟、老牌画廊如何进一步发展成为我们要思考的问题。

  随着经济的发展,艺术与市场的结合越来越紧密。画廊作为艺术市场中的一级市场,一方面拉近了与艺术家、收藏家乃至受众的距离,活跃了艺术市场;另一方面,也受外部经济环境影响极大。

  国外的画廊行业发展已有近百年的历史,已经形成了比较成熟的经营制度和运作模式,在西方艺术市场中发挥着中流砥柱的作用,而反观中国画廊行业的发展仅仅只有20年左右的时间。面向未来,什么是成熟画廊的策略、新兴画廊如何站稳脚跟是我们要思考的问题。

  画廊要形成属于自己的独特品牌,与其所拥有的艺术家资源是分不开的。画廊与艺术家可以说是互相成就的关系,画廊通过选择、培养、推介、宣传、包装艺术家,使艺术家被更多的收藏家和公众熟知,在提高人气的同时,其艺术品价格也会相应的提高。画廊在成功的向外界推出艺术家的同时,一方面通过买卖艺术家作品获得利润,另一方面也会使藏家和公众对其产生信任感,这样也有助于画廊品牌的建立。

  那么,画廊应该如何选择要推介的艺术呢?应该选择和怎样的艺术家合作呢? 1993年由杰伊·乔普林在伦敦杜克大街44号创立的白立方画廊一直都是英国青年艺术家最重要的支持者。在白立方建立的第一年,其代理的达明·赫斯特、翠西·艾敏、萨姆·泰勒·约翰逊还只是在艺术圈里的小火花,到1997年查尔斯·萨奇的展览“Sensation!”时,白立方代理的这些英国年轻艺术家们已经成为了家喻户晓的名字。然而,并不是所有的画廊都对青年艺术家的作品感兴趣。1989年由拉里·高古轩在纽约麦迪逊大道980号创立的高古轩画廊,就从来没有兴趣挖掘培养年轻的未成名艺术家,而是善于发现已有稳定事业根基的成熟艺术家。

  当画廊对自己选择、坚持、推介的艺术有了明确的定位后,面临的另一个问题就是应如何向外界推介自己的艺术,如何宣传、推广艺术品来吸引收藏家及公众的注意。要做到这点,首先是要与签约代理的艺术家良好合作,得到艺术家的信任,坦诚与心心相惜是建立信任的基础。另外画廊推广艺术家的能力也很重要。 推广艺术家首先想到的可能就是举办展览。一般而言,画廊每一至三年会为其代理的艺术家举办一次个展。收藏家也非常希望能在画廊通过有节奏的个展规划看到这个艺术家的创作历程;另外带收藏家参观艺术家工作室也是一种方式。收藏家都对艺术家独一无二的工作方式表示强烈的兴趣,当然也必须保证这样的参观同样令艺术家感到愉快。通常,艺术家负责介绍自己的艺术创作,结束之后,画廊业主和藏家私下商谈交易的细节;艺术博览会如今也成为画廊自我推广的重要途径。在博览会上,对于画廊而言,策划一个艺术家的个展往往比大杂烩式的展示更能显示画廊的定位,更能吸引人的注意;同博物馆、美术馆合作为艺术家做展览,也同样是使艺术家获得关注和人气的好方法;另外媒体及网站的宣传也同样不可少,媒体的宣传轰炸、精美的网站界面都为画廊提高知名度,做好服务有很大的帮助;最后,出版物及相应的艺术衍生品的分发及售卖也是吸引公众参与到其中的途径。当艺术家个展举办时,出版艺术家作品集、自传等分发给参观者更有助于对艺术家的了解。同时,适当售卖或分发一些或有趣的、或实用的、或美观的艺术衍生品也是宣传手段之一。

  画廊不仅要推介对的艺术,还要实现良性的自我管理。首先,画廊在遵守维护艺术市场秩序的同时,也要时时面对变化的外界经济环境,根据不同的经济发展状况,制定不同的发展策略;其次,就是针对画廊自身的定位,制定出适合自身发展的经营制度和运作模式,在学习西方画廊经营模式时,也要分清哪些是“学得来”和“学不来”的;画廊的国际视野也尤其重要,不要局限在自我的认知,在选择和推广艺术家时要站在国际化的角度;诚信经营是帮助画廊品牌建立和稳固的重要因素。

  画廊作为一个传统行业,它的本质就是艺术品的商店,它的核心盈利方式就是培养藏家,建立庞大的藏家关系网对画廊来说可谓至关重要;画廊内部工作人员的素质也亟待提高;最后是画廊的资本管理,这包括画廊资本来源与利润管理。

  现如今,在中国的艺术市场经历了经济危机后的十年,在画廊这一轮的退潮中,画廊似乎还没有走出低迷而站稳脚跟,发展及运营还存在着很多问题。概括起来画廊经营有三点是关键:一是艺术的眼光;二是务实的推广;三是培养藏家。做好这三点,不仅需要大量的财力及人力投入,更需要时间、经验去一步步实现。返回搜狐,查看更多

  

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